INTRODUCCIÓN

Entre finales del siglo XVI y comienzos del XVII hubo un importante cambio en el estilo musical europeo. Es el inicio de lo que se denomina el Barroco, periodo de la historia del arte que dura aproximadamente hasta mediados del siglo XVIII (dependiendo más o menos de los diferentes países). Por tanto, hablamos de un largo periodo de 150 años más o menos, donde no sólo la música, sino todas las artes tuvieron un gran esplendor en Europa.

En España estos años, junto con el siglo XVI, se conocen con el nombre del “Siglo de oro español”, por el gran talento de sus artistas. Nos referimos a escritores como Cervantes, Quevedo, Calderón, Lope de Vega,… Pintores como Velázquez, Murillo, Zurbarán,… En Europa también habrá escritores como Shakespeare y pintores como Rubens.

Pero no sólo en arte floreció la cultura europea de esta época. En cuanto a la ciencia, por ejemplo, aparece un nuevo tipo de ciencia que será el inicio de la ciencia moderna; toda una revolución científica de la mano de personajes como Copérnico, Kepler y Galileo.

Y en cuanto a música se refiere, habrá dos importantes características en este periodo. Por un lado, que la música será patrocinada y financiada por grandes príncipes y reyes de la época, pues para ellos la buena música era un símbolo con el cual mostrar su poder al pueblo. Y por otra parte, a diferencia del Renacimiento, donde el estilo musical era muy homogéneo y parecido en todos los países, en el Barroco empieza a haber estilos musicales diferentes según los países, y así hablamos de un estilo barroco italiano y de un estilo barroco francés.

Podemos decir que en el Barroco, a diferencia de los periodos anteriores, la música instrumental adquirió una importancia similar a la de la música vocal, cosa que no ocurría en el Renacimiento ni en la Edad Media, donde la música vocal predominaba muy por encima de la instrumental.

EL NUEVO ESTILO MUSICAL BARROCO

Sintetizando mucho, diríamos que las principales características de esta nueva música barroca serían las siguientes:

· Utilización del bajo continuo.

· Ritmo medido e incisivo.

· Utilización del estilo concertato.

· Se pasa de una armonía modal a una tonal.

El bajo continuo es sin duda la característica más importante, la que mejor define a la música barroca. De hecho, hay autores que a este periodo, en vez de Barroco, lo llaman como la época del bajo continuo, pues esta característica musical nace con el Barroco y muere con él (o sea, desaparece al terminar el periodo).

Si en la música del Renacimiento los compositores sabían que al componer polifonía todas las voces eran igual de importantes, en la música barroca no será así. Los compositores ahora prestarán mucha atención sobre todo a la voz más aguda, que llevará todo el interés de la melodía. Y en segundo lugar, esa melodía se apoyará en una voz grave (el bajo), que será la segunda voz (o parte) más importante de la música. El resto de voces o partes intermedias no serán tan importantes, y de hecho a menudo no se escribían, sino que estas partes intermedias (entre el bajo y la melodía aguda) se improvisaban con algún instrumento.

Pues con esta forma de componer surge en el Barroco el llamado bajo continuo, que es la forma más habitual de acompañar la música de la época. Consiste en una melodía grave sobre la cual se apoyan las partes principales más agudas. Además, a partir de esta melodía grave, un instrumento polifónico improvisa un acompañamiento de acordes (lo que se llama el continuo).

De esta manera, habrá una serie instrumentos que serán los que habitualmente hagan esta parte de bajo continuo, donde generalmente tocan al menos dos músicos: uno tocará el bajo y otro tocará el continuo. Como instrumento de bajo solía utilizarse un violonchelo, una viola da gamba o un fagot. Y como instrumento de continuo solía haber un instrumento de cuerda pulsada o uno de teclado (órgano o clave).

En cuanto al ritmo se refiere, la música del Barroco es a menudo de ritmo muy marcado e incisivo. Esto quiere decir que se suele basar en pequeños esquemas rítmicos que se repiten de manera obsesiva a lo largo de una composición musical, como si fueran la energía que proporciona la fuerza continua a un motor. Esto se nota, sobre todo, en la música instrumental barroca. En definitiva, una música y un ritmo muy diferentes a las del Renacimiento.

El estilo concertato (o concertante también se dice) es otra de las grandes novedades de la música de este periodo. Se empezó a utilizar en la catedral de San Marcos, en Venecia, entre finales del siglo XVI y comienzos del XVII. Allí se puso de moda entre los compositores de aquel templo el utilizar varios coros repartidos entre distintas zonas de esa amplia catedral. De esta manera, las obras musicales resultaban ser como un juego o diálogo entre los distintos coros: unos preguntaban, otros respondían; se pasaban las melodías de un coro a otro como si de un juego se tratase. A veces sólo cantaba una parte de los coros, y otras veces cantaban todos los coros a la vez. Más adelante, se sustituyeron algunos coros por grupos de instrumentos, de modo que muchas de las obras combinaban tanto voces como instrumentos.

En suma, “concertar” o “concertare” significa llegar a un acuerdo entre todas las partes (de ahí viene la palabra “concierto”, o sea, estar todos de acuerdo). Y así, el estilo concertato consiste en contraponer entre sí diversos grupos instrumentales y/o vocales en una misma obra musical.

La cuarta y última de las características antes mencionada de la música barroca es que se pasa de una armonía modal a una tonal, es decir, que las melodías cada vez se basaban menos en las escalas antiguas medievales, y más en las escalas tonales modernas, escalas diatónicas mayor y menor.

MÚSICA VOCAL BARROCA

En lo que respecta sólo a la música vocal (o sea, música para cantar), mucha de esta música era simplemente lo que se denomina “monodia acompañada”. Este tipo de música era la más sencilla que podía emplearse en el Barroco, y consistía en una melodía para cantar, que se acompañaba únicamente de bajo continuo. Así se compuso muchísima música durante el Barroco.

Las principales formas musicales vocales (o sea, tipos de música para cantar) que surgieron en este periodo son las siguientes, tanto en música profana como religiosa:

· En música profana: la ópera.

· En música religiosa: el oratorio, la cantata y la pasión.

Por supuesto que varias de las formas musicales vocales del Renacimiento siguieron componiéndose durante el Barroco: motetes, madrigales, villancicos… Pero las anteriormente citadas son las nuevas formas que se inventaron en esta época.

MÚSICA VOCAL PROFANA

La ópera fue el gran invento musical del Barroco. Antes del Barroco no existía la ópera, si acaso algunas obras de teatro con algo de música se le podían parecer, pero no eran óperas propiamente.

Podemos definir la ópera como una obra teatral cantada, con música desde el principio hasta el final, que nace en el Barroco. Para montarse precisa de escenario, orquesta, coro y solistas. En su música alterna recitativos, arias y piezas para coro.

Inicialmente este espectáculo de la ópera surgió en Italia, concretamente en la ciudad de Florencia, entre la gente de la nobleza. Sin embargo, se convirtió muy pronto en un espectáculo de tanto éxito y popularidad, que en poco tiempo se extendió por toda Italia, y luego por Europa. Tan sólo en la ciudad de Venecia llegó a haber cerca de veinte teatros, la mayoría de ellos con representaciones de ópera casi a diario.

Otro gran invento de este periodo sería un nuevo modo de cantar, que se utilizó tanto en la ópera como en la música religiosa. Recibió el nombre de recitativo, y consistía en declamar una poesía semicantándola, o sea, a medio camino entre cantar y recitar. Este modo de cantar se acompañaba únicamente de bajo continuo.

Sin embargo, resultaba demasiado monótono y aburrido el cantar toda una ópera en estilo recitativo. Por eso, para variar con este estilo, había varias partes de la ópera que se denominaban arias. Un aria consistía en una melodía para cantar muy adornada, que se acompañaba generalmente de la orquesta.

Las óperas resultaban ser una combinación de recitativos, arias, y de vez en cuando alguna pieza para coro o para instrumentos solamente. De este modo, las óperas eran mucho más amenas y variadas, incluso aunque duraran varias horas.

Conforme la ópera se hacía más y más popular en Italia, surgieron varios tipos de ópera, fundamentalmente dos.

Por un lado, había un tipo de ópera seria, que era de carácter aristocrático, y sus temas y personajes provenían de la mitología y de los dioses de la Antigüedad.

Por otro lado, había también la llamada ópera bufa. Esta ópera era de carácter más popular, donde sus protagonistas eran personas provenientes de la clase media. A menudo había aquí algunas escenas y personajes que eran cómicos.

La gran popularidad de la ópera pasó desde Italia a todos los países de Europa, donde surgieron unos tipos de ópera con características algo diferentes a las de Italia.

En España, por ejemplo, surgieron unos espectáculos de teatro con música donde se alternaban partes cantadas con partes habladas. Había dos tipos: la zarzuela y la tonadilla.

La zarzuela solía ser una obra larga, y su nombre proviene del palacio que los reyes españoles tenían a las afueras de Madrid, donde se representaban estas obras teatrales con música (en el Palacio de la Zarzuela).

La tonadilla era generalmente una obra teatral de corta duración y con música. Eran obras divertidas, y se representaban a menudo escenas de la vida cotidiana española de aquella época.

En Francia y en Inglaterra también surgieron tipos de óperas propias. En Francia sería un italiano, Lully, el creador de la ópera francesa. Y en Inglaterra triunfaría un alemán (Georg Friedrich Händel) como el gran compositor de óperas inglesas de aquel país.

Hubo muchos compositores importantes de ópera durante el Barroco, y como es lógico pensar, la gran mayoría de ellos fueron italianos, puesto que allí nació la ópera. Algunos de los más importantes compositores de ópera barroca fueron:

· En Italia: Claudio Monteverdi.

· En Francia: Lully.

· En Inglaterra: Georg Friedrich Händel.

Claudio Monteverdi es uno de los más grandes compositores de toda la historia, y fue muy importante porque vivió entre los siglos XVI y XVII, de manera, que resultó ser el compositor que cerró el Renacimiento (componiendo numerosos madrigales) y abrió el nuevo estilo barroco en Italia, componiendo importantes óperas.

MÚSICA VOCAL RELIGIOSA

En lo que se refiere a la música vocal religiosa del Barroco, una importante característica de esta música sería el policoralismo, que como su propio nombre indica, consiste en utilizar dos o más coros en una misma obra. Esta forma de componer a varios coros se puso de moda primeramente en Venecia, igual que el estilo concertato que se comentó anteriormente.

Como ya se ha dicho, las nuevas formas de música vocal religiosa aparecidas en el Barroco fueron el oratorio, la cantata y la pasión.

El oratorio es una forma vocal religiosa de carácter narrativo, pero sin representación escénica, donde se canta un drama basado en la Biblia. Intervienen orquesta, coro y solistas, y en su música alterna recitativos, arias y piezas para coro.

Por tanto, la diferencia fundamental con la ópera es que en el oratorio no se actúa como se hace en la ópera, y además, como es lógico, la historia que se narra está basada en la Biblia. Pero por lo demás, la música es bastante parecida, pues alterna recitativos y arias, igual que en la ópera.

Por su parte, la cantata es una forma vocal sobre un texto de carácter lírico, que puede ser profano o religioso. También en su música intervienen orquesta, coro y solistas, y alterna recitativos, arias y piezas para coro.

Las cantatas solían ser obras no demasiado largas (máximo 15 o 20 minutos), a diferencia de los oratorios, que podían durar dos horas o más. Pero lo característico de la cantata es que se canta un poema, no se narra ni se cuenta ninguna historia como en el oratorio.

Las primeras cantatas barrocas empezaron siendo profanas, pero cada vez se compusieron más cantatas religiosas, que fueron las que acabaron por predominar. Johann Sebastian Bach sería el gran compositor barroco de cantatas, la gran mayoría de ellas religiosas.

La pasión es una especie de oratorio donde la historia que se narra es siempre la misma, la pasión y muerte de Cristo, basándose en alguno de los cuatro evangelistas que la cuentan. Por tanto, es también una forma vocal religiosa sin representación escénica. E igual que en el oratorio y la cantata, intervienen orquesta, coro y solistas, y en su música alterna recitativos, arias y piezas para coro.

Muchos y grandes fueron los compositores que escribieron música religiosa durante el Barroco en los distintos países de Europa, si bien los alemanes y los italianos quizás fueron los que más sobresalieron. Algunos nombres que conviene conocer, por ser tal vez de los más importantes de esta época, fueron:

· Alessandro Scarlatti fue un importante compositor de cantatas.

· Georg Friedrich Händel compuso importantes y famosos oratorios.

· Johann Sebastian Bach es el principal compositor de música barroca religiosa, y uno de los más importantes compositores de la historia. Se conservan de él dos pasiones y más de doscientas cantatas.

LA IMPORTANCIA DE LA MÚSICA INSTRUMENTAL

El Barroco, época de grandes avances científicos, técnicos y filosóficos, será también la época en la que la música instrumental alcanzará grandes metas. Nunca antes esta música instrumental llegó a ser tan importante. Podríamos incluso decir que, al final del Barroco (ya en el siglo XVIII), este tipo de música llegó a ser tan importante como la música vocal.

Las razones por las que la música instrumental llegó a esta situación podemos resumirlas en dos:

· Porque surgieron grandes constructores de instrumentos musicales, como las familias de los Stradivarius, los Amati, y los Guarnieri.

· Porque los músicos alcanzaron una gran maestría a la hora de tocar los instrumentos.

Efectivamente, a lo largo del siglo XVII, hubo familias en Europa que aprendieron una técnica prodigiosa de hacer los instrumentos; estos artesanos recibían el nombre de luthiers. La perfección con la que construían estos instrumentos sigue siendo un misterio para los constructores de hoy día, que no son capaces de imitar la calidad de un violín Stradivarius o de un Guarnieri.

Junto a estos instrumentos tan prodigiosos, también en el Barroco surgen grandes intérpretes de tales instrumentos. Todo ello hace que los compositores se sientan atraídos por componer buena música instrumental para esos instrumentos y esos intérpretes tan virtuosos.

Las características de esta música instrumental barroca son similares a las de la música vocal, incluso podríamos decir que son más remarcables que en aquella. Por tanto, su ritmo es también incisivo, se utiliza el estilo concertato, siempre está presente el bajo continuo, etc. Y además de ello, surge un estilo musical propiamente instrumental, que es distinto al vocal, algo que no ocurría ni en la Edad Media ni en el Renacimiento, donde se componía igual para la música vocal que para la instrumental.

La orquesta, como agrupación numerosa de instrumentos, nace en el Barroco. Ni en la Edad Media ni en el Renacimiento cabe hablar de orquesta, porque no existían. Pero en esta nueva época empieza a haber agrupaciones instrumentales grandes (de al menos diez o doce instrumentos) que se llaman orquestas, y se compone música exclusivamente para ellas.

GÉNEROS DE MÚSICA INSTRUMENTAL

Durante el Barroco se siguen componiendo y tocando muchos de los tipos de música instrumental que ya se interpretaban durante el Renacimiento. Pero además, surgen nuevas formas instrumentales, principalmente la suite, la fuga, la sonata y el concerto.

La suite barroca es una consecuencia de la gran importancia que la música de danza llegó a alcanzar durante el Renacimiento. De esta manera, la suite era una forma instrumental que consistía en la unión en una sola obra de varias danzas, alternándose unas con otras según su carácter y ritmo. Así, a una danza lenta le seguía una rápida, y viceversa.

Estas piezas de la suite estaban basadas en el ritmo de las antiguas danzas (pavana, gallarda, gavota, zarabanda, giga, etc.), aunque ya no era música para bailar, sino simplemente para escuchar en concierto. Se componían suites para orquesta o bien para teclado solo (clavicémbalo), y había en Europa dos modelos de suite: uno francés y otro alemán.

Pero más importante que la suite era la sonata barroca. Ésta era una forma instrumental que alternaba diversos movimientos (normalmente cuatro), unos rápidos con otros lentos. El compositor italiano Arcangelo Corelli sería quien definió este modelo de sonata en cuatro tiempos.

Había tres tipos distintos de sonatas, según los instrumentos para los que estaba compuesta:

· Sonata para teclado solo (órgano o clave).

· Sonata a solo (para un instrumento solista acompañado de bajo continuo).

· Sonata en trío (para dos instrumentos solistas acompañados de bajo continuo).

La fuga es otra de las formas instrumentales que surge durante el Barroco, si bien durante el Renacimiento había unas formas instrumentales que se le asemejaban, aunque sin llegar a ser una fuga. Podemos definir la fuga como una composición instrumental o vocal que se basa en un único tema musical, a partir del cual deriva toda la obra, haciendo un uso continuo de la imitación. Johann Sebastian Bach será el gran compositor de fugas para órgano de este periodo.

Y en lo que respecta a la música para orquesta, el concerto será la principal forma musical. Su invención es consecuencia del empleo del estilo concertato, contraponiendo o enfrentando un grupo reducido de instrumentos frente a otro grupo más numeroso, y generándose así un diálogo entre ambos grupos.

Así, el concerto sería una forma musical barroca para orquesta que adoptó un esquema fijo en tres movimientos: 1º rápido – 2º lento – 3º rápido.

En el Barroco había dos tipos de concerto:

· Concerto grosso: para un grupo de solistas (llamado concertino) en diálogo con la orquesta (llamada el tutti).

· Concerto solo: para un único instrumento en diálogo con la orquesta.

El Barroco es un periodo crucial en la Historia de la Música, donde se ponen los cimientos de la música más moderna que surgirá en los siglos siguientes. Es por ello que son muchos los compositores importantes de esta época que surgen en los distintos países europeos.

En Italia, además del ya mencionado Arcangelo Corelli y su importancia en la formación de la sonata barroca, hay que señalar a Antonio Vivaldi. Su labor en Venecia fue muy estimada, donde llegó a formar y dirigir una orquesta sólo de niñas huérfanas, que alcanzó una maestría reconocida en toda Europa.

Hablar de Alemania durante el Barroco es hablar de uno de los más grandes compositores de toda la historia: Johann Sebastian Bach. Su obra es inmensa, tanto en música vocal como instrumental (fugas, preludios, sonatas, suites y concertos).

Georg Friedrich Händel (o Haendel) será reconocido como el más importante compositor instrumental en Inglaterra, a pesar de ser alemán.

Couperin y Rameau se pueden considerar entre los más importantes compositores franceses, éste último compositor también de importantes óperas.

La música española del Barroco no se considera de la misma talla internacional que llegó a tener en otros periodos de la historia, como por ejemplo en el Renacimiento. Sin embargo, es justo señalar al menos un par de compositores de gran talento. Uno de ellos fue el organista sevillano Francisco Correa de Arauxo. Y otro fue el catalán Antonio Soler, que trabajó en El Escorial para los reyes de España. También hubo guitarristas de gran talento en la España de esta época, pues la guitarra siempre fue un instrumento español muy apreciado y tocado con gran maestría.